Garbage & Brody Dalle - Girls Talk

Gênero: Alternative, Grunge, Indie
País: Estados Unidos
Ano: 2014

Comentário: Como citado anteriormente aqui, a parceria entre Garbage e Brody Dalle rendeu frutos este ano. ‘Girls Talk’ é mais um fruto da parceria entre uma das bandas mais importantes da música alternativa dos anos 90 e a eterna musa punk.

O Garbage surgiu em 1993. Liderado por Shirley Manson a banda conta ainda com o lendário produtor Butch Vig. Responsável pela produção de discos seminais como Nevermind (Nirvana), Dirty (Sonic Youth) e Siamese Dream (Smashing Pumpkins), Butch atua como baterista, bem como produtor, do Garbage. A banda fez muito barulho nos anos 90 e após um longo período na geladeira retomou as atividades para o lançamento de Not Your Kind Of People, em 2012.

Brody Dalle surgiu para os olhos e ouvidos do grande público no começo dos anos 2000, liderando o The Distillers. Aos gritos Brody lançou 3 discos com sua banda, sendo o último deles, Coral Fang, o mais aclamado. Após o fim da banda que alavancou Brody, a moça formou o Spinnerette e mais recentemente, no ano de 2014, lançou seu primeiro disco solo, Diploid Love, que conta com Shirley Manson na faixa, “Meet The Foetus/Oh The Joy’.

Girls Talk é um single lançado em comemoração ao Record Store Day 2014, composto por duas músicas, a pesa e sombria ‘Girsl Talk’ e a eletrônica ‘Time Will Destroy Everything’.

Tracklist:
1. Girls Talk
2. Time Will Destroy Everything

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Sleigh Bells - Bitter Rivals

Gênero: Noise Pop, Dance Punk, Indie Pop
País: Estados Unidos
Ano: 2013

Comentário: Originário de Nova York o duo Noise Pop formado pela vocalista Alexys Krauss e o guitarrista Derek Miller (ex-membro da banda hardcore Poison The Well) traz em Bitter Rivals, seu terceiro disco, uma continuação natural do lançamento anterior, o excelente Reign Of Terror de 2012. Cada vez mais pop e menos noise o Sleigh Bells apresenta neste disco um som mais limpo, fato este que pode acarretar a reprovação daqueles que apreciaram os trabalhos antigos da banda.

O disco abre com a faixa título ‘Bitter Rivals’ uma música que é cara do Sleigh Bells e justifica sua escolha como primeiro single do novo disco. ‘Sugarcane’ já mostra a face mais pop dessa nova fase. Em seguida as explosivas ‘Minnie’ e ‘Sing Like a Wire’, provavelmente as duas que mais lembram os trabalhos anteriores do duo. A partir de ‘Young Legends’ a coisa desanda para o lado do pop de uma vez. Destaque para a faixa ‘You Don’t Get Me Twice’, uma das melhores de toda a carreira da banda.

Tracklist:
1. Bitter Rivals
2. Sugarcane
3. Minnie
4. Sing Like A Wire
5. Young Legends
6. Tiger Kit
7. You Don't Get Me Twice
8. To Hell With You
9. 24
10. Love Sick

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Nana Grizol - Ruth

Gênero: Pop Alternativo
País: Estados Unidos
Ano: 2009

Comentário: Volta e meia surgem uns discos na sua vida que mudam tudo o que você pensa sobre música - e sobre a vida também, se bobear. Algumas pessoas tem experiências desse tipo com frequência  o que é completamente válido, mas que não é meu caso. Foram poucos os discos de que eu tenho a vívida memória de terem impactado minhas impressões. Daqueles que já nas primeiras músicas você sente que as coisas vão ser diferentes.

Ruth, o segundo disco da banda americana Nana Grizol, faz parte dessa pequena coleção sentimental que eu carrego comigo todos os dias - bendita seja a tecnologia. Um conjunto de músicas que eu chamaria de canções de ninar para grandes bebês hipsters, o disco é realmente acolhedor e aconchegante. Com uma sonoridade puxada de Neutral Milk Hotel - mais na parte da instrumentação, já que o ritmo é bem mais lento - Nana Grizol não se propõe a grandes revoluções musicais. As canções seguem um ritmo parecido, como um todo, e os únicos instrumentos que - raramente - ganham algum destaque são os de sopro. O resto da banda serve como acompanhamento.

Acompanhamento para a voz e o lirismo de Theo, o vocalista - ex Defiance, Ohio uma outra ótima banda que pretendo cobrir numa resenha futura - que é o ponto forte do disco. A parte que, de fato, mudou minha percepção sobre letras em músicas. Não é que elas sejam de um nível poético altíssimo - como alguns músicos alcançam, vide Leonard Cohen e Bob Dylan, para citar americanos - mas elas são o complemento perfeito para a instrumentação.

Os dois violões num momento x, a tuba em algum outro ponto, a banda em profusão em outro, tudo se vê unido nas melancólicas letras. É quase uma espécie de confissão de mais dos milhões de jovens adultos do mundo que, sinceramente, não fazem a mínima ideia do que fazer com o próprio passado e acabam mergulhando em lembranças de nem tanto tempo atrás.

Em Atoms, é um diálogo com as pequenas partículas do seu corpo, eternas, que observam a passagem do tempo indiferentes. Em Black Box, a lembrança do passado na cidadezinha de infância. Em Cynicism, um pedido por um pouco mais de otimismo, de verdade em um mundo cheio de descaso.

São músicas inocentes dos dois lados da moeda - instrumental e liricamente - e está bom desse jeito. No mar de discos cínicos, pessimistas e auto-destrutivos, alguma coisa - ainda mais bem feita! - que nos faça nos sentir um pouquinho mais felizes já faz uma diferença enorme. A motivação e o acalanto desse disco mudaram um pedaço de mim. Então, espero poder proporcionar a vocês a mesma sensação.  

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Tracklist:
1. Cynicism - 2:28
2. Galaxies - 2:55
3. Blackbox - 3:48
4. Atoms - 2:44
5. Gave On - 1:27
6. Grady and Dubose - 1:56
7. From Here - 3:02
8. Alice and Gertrude - 3:29
9. Arthur Hall - 2:19
10. For Things That Haven't Come Yet - 4:12
11. Sands - 4:51

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Zola Jesus - Versions

Gênero: Synthpop, Eletrônico, Experimental, Ambiente.
País: Estados Unidos
Ano: 2013

Comentário: Alguns anos se passaram desde que Nika Roza Danilova surgiu sob o pseudônimo de Zola Jesus com seu synthpop sombrio arrebatando a admiração da crítica e do público. Três discos e alguns Ep's depois era hora de Nika se aventurar em algo diferente.

Em 2012 Nika se reuniu com o produtor australiano J.G. Thirlwell para reconstruir algumas de suas músicas, as adaptando a um quarteto de cordas. Essas novas versões foram apresentadas em um show no Guggenheim Museum em Nova York, em maio de 2012. O resultado da fusão da voz incrível de Nika com os arranjos de cordas agradou tanto que esse ano é lançado "Versions".

Em "Version" a voz de Nika soa diferente dos lançamentos anteriores, o que pode causar certo estranhamento nos primeiros momentos. Em "Avalanche" por exemplo, o vocal soa bem mais agudo, mais feminino. "Fall Back" a segunda faixa do disco, já soa mais como a Zola Jesus que conhecemos. O disco tem grandes momentos como "Run Me Out", "Seekir", "Sea Talk" e "In Your Nature".

"Versions" é um disco suave, agradável, profundo, com muitos acertos e alguns poucos erros. Essencial para qualquer fã da moça.

Tracklist:
1. Avalanche (slow)
2. Fall Back
3. Hikikomori
4. Run Me Out
5. Seekir
6. Sea Talk
7. Night
8. In Your Nature
9. Collapse

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Milla (Jovovich) - The Divine Comedy

Gênero: Folk rock/ Folk pop/ Art pop/ Alternative
País: Ucrânia/EUA
Ano: 1994

Comentário: Não sou nenhum fã, embora não negue que a beleza de Milla Jovovich e sua posição no cinema e no mundo da moda — que eu não entendo bulhufas — mereçam certo reconhecimento. Tanto é que sua música é que me chamou mais atenção, pois concentra certa originalidade e um tipo de “sutil ousadia”. Não é música insossa feita por alguém que poderia pagar para ser ouvida (e ela pode pagar), mas é um folk rock bem gostoso, mas também pop, mas também vai um pouco mais além disso. Por isso está indiscutivelmente mais para “Return to the Blue Lagoon” do que para “Resident Evil” (a não ser que você ouça sua participação em “REV 22:20”, ou "The Mission", ambas do Puscifer), mas possui suas peculiaridades, não sendo aquela eterna espera por socorro de Sessão da Tarde. Abaixando os níveis de testosterona, posso dizer que tem doçura, leveza, faixas dançantes e outras vezes reflexivas, mas não beirando o piegas e o tédio, contudo, não se engane quando falo em “peculiaridades”, pois de forma alguma existe uma super referência a Leeloo de “The Fifth Element”... ou pouco, talvez, nos pequenos e sutis detalhes... mas se busca algo a mais, quem sabe com “PlasticHas Memory”, único disco da banda de mesmo nome que Milla formou em 1999 e que segue uma linha mais tortuosa como a feita por bandas como Portishead, por exemplo, você possa se satisfazer melhor (ouça "On The Hill" e também "Left & Right (Live)").

Somado a letras sinceras escritas quando tinha apenas 15 anos — com exceção de “In a Glabe”, uma música folclórica ucraniana que ela regravou —, uma belíssima arte como encarte e a óbvia referência ao poema de Dante Alighieri, o instrumental é apenas mais um dos pontos que abrilhantam o disco: As performances vocais apresentadas em The Divine Comedy reforçam e eliminam o preconceito de que Jovovich seria “carregada” por uma boa banda, por uma boa produção impecável. Ela manda muito bem, o que às vezes me remete a comparações com Alanis Morissette em certos trechos, enquanto que a melodia e toda instrumentação mantém as músicas num clima a la Tori Amos. E pode ser que tenha exagerado na Alanis, mas existe uma grande simpatia com uma aparente influência entre um misto de Tori Amos, Kate Rush (mas tirem “Wuthering Heights” da cabeça) e até Cocteau Twins, que seria o diferencial do disco.

Vai muito além de um disquinho pop feito por uma atriz famosa e naturalizada americana, que inclusive não deixa esse lado "pop-americano" oculto, pois é o lado ucraniano, unido à influências britânicas que o envolve todo o álbum.

E se existe interesse, Jovovich tem ainda composições e participações em trilhas de alguns filmes, como por exemplo com “Rocket Collecting“, composta ao lado de Danny Lohner (ex- Nine Inch Nails e A Perfect Circle — ambas também presentes na trilha sonora) para o filme “Underworld” de 2003.

Official site//IMDb//RYM//Last.fm

Tracklist:

1. The Alien Song — 4:45
2. Gentleman Who Fell — 4:39
3. It’s Your Life — 3:45
4. Reaching From Nowhere — 4:10
5. Charlie — 4:10
6. Ruby Lane — 4:36
7. Bang Your Head — 3:23
8. Clock — 4:15
9. Don’t Fade Away — 5:43
10. You Did It All Before — 3:58
11. In a Glade — 2:27

Download: Mega.co

Belle & Sebastian - If You're feeling sinister

Gênero: Indie Pop
País: Escócia
Ano: 1996

Comentário: Belle & Sebastian é uma banda de indie pop escocesa criada no final dos anos 90. Não, não é uma dupla, mas sim um grupo com diversos membros e instrumentos. Para ser sincero, passei anos - antes de ouvir a banda - achando que era uma espécie de She & Him. Eu estava muito, muito errado.

Os rapazes e moças de Glasgow fazem um pop de muita personalidade. No seu segundo disco, If you are feeling sinister, lançado em 1996, eles fizeram o que creio ser clara marca de forte gênio. A arte, entre outras coisas, nos permite produzir coisas contraditórias. Toda obra de arte pode acabar transmitindo dois sentimentos, duas impressões distintas, diametralmente opostas e ainda assim não soar falsa. Na música, IYAFS é um grande exemplo disso.

De um lado, temos um pop acalentador, num ritmo que varia basicamente entre o devagar e o ligeiramente animado. Com harmonias vocais, diversa instrumentação e boa variedade melódica, tudo se junta numa composição bem harmoniosa e, diria eu, fofa. Nada piegas ou clichê, exatamente o que um pop não megalomaníaco feliz e reconfortante deveria ser. 

Elvis Costello - My Aim Is True

Gênero: Pop rock, pop punk.
País: Estados Unidos
Ano: 1976

Comentário: Esse é daqueles discos em que cada música parece clássica. Não necessariamente clássico no sentido “obra de arte eterna em sua grandeza” mas naquela constante impressão de já ter escutado cada uma delas antes. Elas me fazem relembrar coisas que eu muito provavelmente nem sequer vivi.

O primeiro disco de Costello é ótimo. Aquele garotinho mirrado se tornou um dos maiores compositores de música pop, em minha opinião, lá no nível de caras como Paul McCartney e Chico Buarque. Esses caras conseguem fazer de tudo; daquelas músicas mais bobinhas e felizes até aquelas baladas melancólicas e tristes, dão um jeito de fazer ambas e tudo entre de uma maneira acessível e não por isso medíocre.

Mas por mais completo que sejam, todos tem algo em que se especializam: Macca fez algumas das músicas mais tristes que já ouvi, Chico algumas das mais assombrosas. Costello, pra mim, é a epítome do coração partido.

Sem dúvidas, o magrelo britânico faz algumas músicas interessantes sobre sua geração. Só que é só prestar atenção no disco pra perceber que ele provavelmente o Angry Video Game Nerd original, só que sem vídeo games. Na própria aparência, Elvis tenta somar o que é um visual nerd, ligeiramente pop new wave, com uma estranha aparência “punk”. Boto “punk” assim porque, sejamos sinceros, ele não é ortodoxamente punk. É no máximo, modernoso.

Além disso, ele sempre soa tão suave, tão calmo, tão conformado como todos nós nerds por música. Fomos provavelmente perdedores – sem americanismos – no ensino médio. Costumamos por culpa nas nossas “limitações”; sejam elas grandes ou pequenas. Tentamos sempre ser compreensivos com os outros, entender que talvez a culpa seja nossa, não das pessoas que nos antagonizam.

Mas ele somente soa suave. Na verdade, ele não é mais o coração mole que nós esperamos que ele fosse. Ele diz o que nós sempre quisemos dizer. Ele era aquele nerd que já não aguentava mais ser hostilizado. Ele não quer mais tentar entender os outros. Alison é uma música que, com toda certeza, podia ser vista em algum roteiro do Woody Allen.

Além disso tudo, esse “nerd-class hero” é um músico bem apto, além de contar com uma boa banda de apoio. As melodias de pop-rock caem bem com a temática ligeiramente colegial e tudo acaba soando bem orgânico. Se torna diferente do resto do pop na medida em que não soa pré-fabricado, é o testamento musical de um homem que cansou de ser rejeitado.

As guitarras, o destaque na minha humilde opinião, são rápidas, nervosas mas ainda assim são bem melódicas e pegajosas, unindo uma simplicidade punk com a produção pop. Além disso, a bateria é outro dos destaques, não só do disco mas em boa parte dos grandes discos de Costello. Ela é consciente, mutável e sempre se adapta perfeitamente aos diversos momentos e melodias do álbum; soa pesada quando tem de soar e faz um leve acompanhamento nos tempos certos.

Serei honesto, o disco também tem sua boa dose de baladas e músicas semi-reggae que eram sensação naquela época. Pros padrões do gênero, são todas bem executadas. O que não tira o brilho da genialidade de outras músicas mais puxadas pra essa coisa que acabava de nascer, o pop punk. Elvis sempre foi um artista versátil, e o seu primeiro disco já demonstra essa faceta.

Recomendo o disco para todos nós. Eu sei que muitos preferem ver Elvis Costello como mais um daqueles caras frouxos da música pop, que não tem nada a acrescentar. Mas, sinceramente, acho que é uma experiência necessária para entender uma interseção honesta entre punk e pop, muito mais profunda do que o pop punk de hoje. É um pedaço de história que pede pra ser contado.

(Endereço oficial)

Tracklist:
1. Welcome to working week
2. Miracle Man
3. No Dancing
4. Blame it on Cain
5. Alison
6. Sneaky feelings
7. (The Angels wanna wear my) Red Shoes
8. Less Than Zero
9. Misery Dance
10. Pay it back
11. I'm not angry
12. Waiting for the end of the world

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Karin Park - Highwire Poetry

Gênero: Electropop, Synthpop, Experimental, Dark Ambient, Indie Pop, Drone
País: Suécia
Ano: 2012

Comentário: A primeira coisa que você irá notar ao ouvir esse disco é a semelhança entre as vozes de Karin Park e Karin Dreijer Andersson (The Knife/Fever Ray). Vencida esta barreira a essência de suas músicas pode ser apreciada e a surpresa diante da qualidade sonora é certa. O pop sombrio de Karin Park preenche o ambiente enquanto sua voz dotada de notável profundidade completa o cenário.

Claramente influenciada por artistas como Gary Numan e Depeche Mode, Karin Park nos entrega em seu 4° disco, Highwire Poetry, uma sucessão de músicas tão diversas e densas que torna cada minuto do disco uma experiência nova e envolvente. Criada em um pequeno vilarejo sueco e mais tarde enviada para um colégio missionário japonês não é uma surpresa a singularidade de suas músicas.
Faixas como "Restless", "Fryngies" e "Wildchild" evidenciam as influências citadas anteriormente, enquanto faixas mais experimentais como "New Era" e "6000 Years" dão um brilho a mais ao disco. Karin ainda flerta com o dubstep em "Tiger Dreams", uma das melhores de Highwire Poetry.

O parceiro musical de Karin é seu irmão, David Park, mas, chega de comparações com o The Knife.

Tracklist:
1. Restless
2. Fryngies
3. Tension
4. Tiger Dreams
5. New Era
6. Wildchild
7. Explosions
8. 6000 Years
9. Thousand Loaded Guns
10. Bending Albert Law's

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Of Monsters And Men - My Head Is An Animal

Gênero: Indie Folk, Indie Pop, Indie Rock
País: Islândia
Ano: 2012

Comentário: A Islândia, um pequeno país gelado localizado nos confins do Europa, lar de grandes nomes da música como Björk e Sigur Rós, agora nos presenteia com o Indie Folk do Of Monsters And Men. A Banda é relativamente nova, formada em 2010, logo em seu primeiro ano ganharam uma competição de bandas em sua terra natal. Em 2011 lançaram seu primeiro EP, Into The Woods, e seu primeiro disco, que atraiu muita atenção com o mega hit "Little Talks", a banda assinou com uma grande gravadora e relançou seu disco mundialmente esse ano, alcançando o sexto lugar da Billboard em sua estreia. A versão lançada esse ano difere um pouco da versão Islandesa do disco.

My Head Is An Animal abre com "Dirty Paws" (música de onde foi retirado o título do disco) um folk rock descompromissado e agradável, começando de forma intimista até se tornar grandiosa, uma ótima escolha para faixa de abertura. O disco segue com canções lindas e fantásticas como "King And Lionheart" e "Mountain Sound", mas nada se compara aquela que trouxe reconhecimento a banda, a dançante "Little Talks" já nasce um clássico e certamente figurará nas listas de "músicas do ano" junto com seu belissimo videoclipe. My Head Is An Animal ainda traz grandes músicas como "Six Weeks", "Your Bones", "Lake House" e a calminha "Love Love Love".

Tracklist:
1. Dirty Paws
2. King And Lionheart
3. Mountain Sound
4. Slow And Steady
5. From Finner
6. Little Talks
7. Six Weeks
8. Love Love Love
9. Your Bones
10. Sloom
11. Lakehouse
12. Yellow Light

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Ladyhawke - Anxiety

Gênero: Indie Rock, Indie Pop, Synthpop
País: Nova Zelândia
Ano: 2012

Comentário: O segundo álbum é sempre um passo muito importante na carreira de um artista, vários são os casos daqueles que não conseguiram manter seu lugar ao sol com o segundo lançamento. Passados quatro anos de seu primeiro disco, LadyHawke nos traz Anxiety um disco que soa um pouco diferente de seu aclamado debut, com menos sintetizadores e mais guitarras, e isso funcionou muito bem.

Phillipa Brow adotou o nome Ladyhawke devido ao filme, de mesmo nome, de 1985 com Michelle Pfeiffer, que no Brasil ficou conhecido como Feitiço de Àquila, e após passar por algumas bandas como a dupla Two Lane Blacktop e Teenager, lançou em 2008 seu primeiro disco que trazia musicas como "Paris Is Burning", "My Delirium" e "Magic". O disco homônimo é recheado de canções indie pop dançantes e assim a moça conquistou o público e a mídia.

Em Anxiety Ladyhawke faz referencias diretas a dance music dos anos 80, se caracterizando por um tipo de som pop que não toca nas rádios, com musicas animadas e grudentas, que vão te fazer cantarola-las por dias, "Girl Like Me", "Sunday Drive" e "Blue Eyes" são bons exemplos disso. Anxiety cumpre bem sua tarefa de segundo disco, e não decepciona, arrisco dizer que é um dos melhores do gênero este ano.

Tracklist:
1. Girl Like Me
2. Sunday Drive
3. Black White & Blue
4. Vaccine
5. Blue Eyes
6. Vanity
7. The Quick & The Dead
8. Anxiety
9. Cellophane
10. Gone Gone Gone

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Batendo de Frente #1

Olá crianços e crianças, adultos e adultas, jovenos e jovenas. Eis que se inicia mais uma seção do blog, e diria eu, a mais polêmica até aqui. O Batendo de Frente será uma coluna baseada no seguinte preceito: A música sempre teve, desde seu principio, muitas vezes o intuito de divulgar uma determinada corrente ideológica, uma realidade social, uma crítica ou mesmo divulgar a cultura de um país, povo ou religião. Porém, como tudo na vida, todos esses termos tem seu contrário, e a música - universal por essência - abrange desde aquele ideal que concordamos e acreditamos, até aqueles que temos pouco em comum, pra não dizer muitas vezes temos asco e chegamos a deixar de ouvir determinado artista por conta de suas posições políticas, religiosas, étnicas ou culturais. Só que isso ainda não faz com que algumas pessoas - como este que vos escreve - deixe de se interessar pelas diversas manifestações em forma de música. Desde as que não concordo, desde as que me atingem, até aquelas com as quais compartilho os ideais. Minha curiosidade é infinita e como eu sei que a de vocês também é, decidimos criar esta seção pra explorar mais esses temas.

Só que é sempre complicado falar sobre um tema sem as pessoas nos ligarem a ele. Como por exemplo, como eu poderia colocar na seção uma banda de esquerda como o Rage Against The Machine e não esperar que me estereotipassem como seu meu ídolo inspirador fosse Che Guevara? É besta, é ignorante e preconceituoso, mas é assim que as coisas funcionam. As pessoas geralmente não param pra pensar antes de julgar ao verem o que discordam. E como lidaremos com assuntos altamente polêmicos nesta coluna, decidimos pensar numa maneira de nos tornamos o máximo possível neutros num assunto.

E o jeito que pensamos foi: Nesta seção vamos colocar de frente dois álbuns de dois artistas que tenham consigo além da música um conceito por de trás de sua sonoridade; uma posição política, ideológica, étnica, cultural ou o que mais for congênere. Só que esses dois artistas não serão quaisquer dois artistas, serão artistas que tenham exatamente posições contrárias ou ao menos bastante antagônicas e controversas. Assim, se alguém nos julgar por apoiar corrente ideológica ou religiosa ou cultural X, logo ao lado terá um outro álbum com temática diametralmente oposta pra acabar com qualquer argumento maldoso. Não será dificil explicar ao conceito da seção ao se ver logo quem eu escolhi pra estrelar a primeira edição. Como eu não brinco em serviço, comecei logo beeeeem intenso...

Mas como eu não quero assustar ninguém, só clique no leia mais se você estiver preparado pra ver o que não concorda e não agir como um xiita louco. Estando preparado para o conceito do quadro, clique sem medo e vamos ver o que eu escolhi pra estrelas o debut. E olha, espero mesmo que vocês saibam entender o conceito que expliquei nestes ultimos parágrafos. Porque eu peguei pesado.




Primeiro Round:


 Aryan Terrorism


O Aryan Terrorism. cujo nome é bem autoexplicativo, é uma banda ucraniana da cidade de Kharkiv formada em 2002 e como uma grande maioria das bandas que exploram o tema, existe sobre uma nuvem de anonimato e poucas informações. Porém, sabe-se que a dupla que compõe a banda é formada pelo vocalista Knjaz Varggoth da - também bem polêmica no que concerne a temáticas de ódio e racismo - banda Nokturnal Mortum. O rapaz atende pelo sugetisvo pseudônimo de SS no Aryan Terrorism e divide o trabalho com outro colega do Nokturnal Mortum, Santorum, ou como prefere ser chamado neste projeto aqui, KV. 

A banda tem apenas um único lançamento oficial, o disco War de 2002 e como é de esperar, um prato cheio de lírismos agressivos, que exaltam a 'supremacia' branca e colocam os Judeus como algozes de toda a humanidade. Além disso, como bandas de NSBM costumam também fazer, o Aryan Terrorism também coloca uma certa culpa dos problemas da humanidade na Cristandade. E, como uma banda nacionalista que é, também gosta de incitar a violência e o ódio contra pessoas de etnias diferentes da suposta "raça branca pura". Acho que deu pra entender né.

Claro que há todo um conceito complexo por trás do Neonazismo (inclusive recomendo um excelente filme  pra quem, como eu, não concorda com a temática mas tem certo interesse no que leva esses grupos a existirem, ei-lo: Kriegerin, de 2011 - e não, não vou postar links, torrent taí pra isso). Porém não é bem sob essa ótica que surge a banda, apesar de toda a temática explicita nas letras. A música mais famosa dos caras e que pipoca de vez em quando pela interwebs é Crush The Lies que é uma critica a cena moderna do Black Metal de forma bem provocativa, se não fosse bem caricata. Sente só um versinho:

Dimmu Borgir are fucking clowns, gays, venal bitches.
They all sell their asses for a gram of heroin.
Explode the bomb on their gig?

Clowns of cradle of shit are perverts
trading in their defects,
singing with castrated voices of their teenager’s problems.
This is a pornographic clownade burn them fucking alive?

Crush the lies
Crush the lies
Crush the lies
 Crush the fucking lies!

Não vou traduzir (google translate taí pra isso!) mas na letra sobra pra todo mundo, Dimmu Borgir, Cradle Of Filth, Marduk, Ihsahn e seu Emperor, Kovenant e por fim ao Behemoth. Confesso que eu perdi a seriedade ao encarar essa banda ao ver a letra dessa música, especialmente no inicio que rola um They try to kill our BLACK METAL FIGHT! (essa eu até traduzo: "Eles tentam acabar com nossa LUTA BLACK METAL). Mas, há quem ache mesmo que um dia haverá uma insurgência na Europa feita por homens e mulheres fardados usando corpse paint, com tochas e machados (Eles não deveriam falar mal do Marduk, pelo menos eles falam de tanques, acredito que são mais logisticamente práticos do que machados e tochas no contexto de dominação mundial, mas tudo bem).

No entanto, além de tudo isso, no que concerne a nós, humildes mortais, este álbum dos caras que aqui abaixo deixo sinceramente acho muito interessante. Como a maioria do NSBM, bebe suas fontes do Hardcore Punk embora ainda mantenha elementos de Black Metal como os vocais rasgados e guitarras sujas. Essa mistura de HC e Black Metal sempre rende as mais intensas bandas e discos e com este não é diferente. Se você conseguir diferenciar a temática da banda do disco, estarão prontos pra ouvir um bom disco, bastante energético e intenso. Os vocais são muito bons - assim como no Nokturnal Mortus - e o instrumental é bem compentente. Aqui vai ele pra vocês darem uma sacada se quiserem:


Aryan Terrorism - War

Gênero: Black Metal
Ano: 2002
País: Ucrânia

Tracklist:

1. Jewish Provocation 04:08
2.Total War 04:28
3. Destroy the Church of Christ 04:05
4. Crush the Lies 05:15
5. Devastate Their Good 03:18
6. Our Banner Swastika! 05:18
7. A National Socialistic Call 03:50
8. In the Name of Our Aryan Blood 06:06

Links: Bayfiles//Megashares//Depositfiles

Bem, deixo-vos por fim um vídeo da famosa Crush The Lies e após ouvi-lo vamos para o lado totalmente oposto da moeda no segundo round.


Segundo Round

Ivri Lider

Qual contraste seria mais perfeito a uma banda neonazista ultra cheia de preconceitos que um músico israelense famoso por ser um dos poucos artistas assumidamente homossexuais que abordam o tema em suas músicas românticas? Bem, acho eu que nada seria tão contraditório. Então apresento-vos Ivri Lider. 

Ivri nasceu em 1974 em Givat Haim, um Kibbutz a noroeste de Israel. Ainda no colégio o rapaz já vivia em Tel Aviv e começou a cantar nos bares locais com o grupo Kach Ossot Kullan, onde foi descoberto por produtores e convidado a compor músicas para espetaculos de dança na Holanda, oportunidade esta que ele aceitou e lhe rendeu algum tempo depois um contrato com a Helicon Records que o garantiu gravar seu primeiro álbum. Pois bem, primeiro álbum que rendeu a Ivri a bagatela de 40,000 cópias vendidas somente em Israel, disco de platina por lá, com singles famosos com "Leonardo".

A partir de então todos os discos de Ivri foram grandes sucessos, e o cara é um dos mais respeitados e bem sucedidos cantores masculinos de Israel. Mas além de ser um grande vendedor de discos, a música de Ivri Lider se destacava por outros aspectos.

Em 2002, depois de ter lançado 3 discos, Ivri assume abertamente sua homossexualidade. Imaginem só vocês o impacto que isso teria para um artista baseado em músicas românticas, é um tanto quanto estranho. Ou não, é estranho pra nós que vivemos num país com uma legislação LGBT absurdamente atrasada, em Israel, um dos países com os direitos homossexuais mais desenvolvidos, o negócio é bem diferente, e essa posição como homossexual acabou levando Ivri a ser referencia no estilo entre o publico homossexual, não só pela sua coragem e naturalidade em falar sobre o assunto como por abordar claramente temáticas homossexuais nas músicas. Além disso, logo após essas declarações Ivri fez parte direta da trilha sonora do filme Yossi & Jagger produzido pelo diretor israelense, também gay, Eytan Fox. Filme este que trata da história de dois soldados israelenses na fronteira com o Líbano que acabam se envolvendo e se apaixonado. A participação de Ivri na trilha do filme foi com uma versão de um clássico da música romantica israelense, Bo (Venha) da cantora Rita. Deixo a seguir um vídeo da música, que é realmente fantástica na voz igualmente fantástica de Ivri (sério eu adoro a voz desse cara):



Pois bem, além disso Ivri também era acompanhado durante seus shows por ninguém menos que Idan Raichel, um dos mais legais músicos israelenses (que vai ter um post só dele em breve) que inclusive fez bastante sucesso com uma música composta em conjunto com Ivri, Bo'i, ainda em 2002.

Aqui abaixo deixo o álbum que eu mais gosto do Ivri (embora a música que eu mais goste dele não esteja em nenhum álbum, mas deixo o clipe dela no final do post), que é um álbum que contem todos os elementos que deram o sucesso a Ivri. Primeiro que é um álbum essencialmente romantico, todo cantado em Hebraico,  porém com um instrumental muito bem feito que por vezes tem grande influencia da música eletronica, uma constante nos trabalhos do cara. Porém é um eletronico bem light, muito bem feito, que só cria excelentes atmosferas na música de Ivri, que tende a ser bem simples porém tem muito, muito feeling. E o hebraico é uma lingua linda quando cantada, bastante melódica, e fica muito mais bonita na voz de Ivri. Insisto na voz do cara tantas vezes por que realmente acho excepcional. Recomendo demais a todo amante de música Light que curte bastante feeling. Excelente álbum pra aquele papo com sua peguete que você está a meses tentando arrumar um jeito de chegar nela, chama ela pra comer um estrombolete de pombo ouvindo isso e olha, é certeiro. Ela nem precisa saber que o cara tá falando de homem com homem. Ah, e é claro, se você for homem e quiser atrair um namorado, nem preciso dizer que é só fazer o mesmo esquema ainda com o bonus do clima ficar ainda maior né.

Enfim, dicas amorosas a parte, aqui vai o disco e os clipes que prometi.


Ivri Lider - The New Peole ( Ha'anashim Ha'hadashim )

Gênero: Pop/Romantico/Alternativo (sério, melhor ver as previews antes de achar que é ruim ou brega, vou logo avisando)

Ano: 2005

País: Israel

Tracklist:

1. Ha'anashim ha'hadashim
2. Le'batei kafe
3. Levad
4. Al kaf ha'mayim
5. Zman
6. Kartisei eshrai
7. Mithamem
8. Horef
9. Ish yakar
10. Puejeot zvait
11. Shirim
12. Kshe kol yaavor
13. Sfarad
14. Geshem aharon
15. Bo

Links: Bayfiles//Gamefront//Depositfiles

E eis a música que prometi, que deve figurar num futuro disco em inglês do rapaz:




Cabô!

Então foi isso pessoal, espero que tenham curtido essa nova seção do blog, que talvez gerará um pouco mais de polemica que todas as outras que fizemos até aqui, ou não. O fato é, a música tem inumeras vertentes e objetivos e minha curiosidade musical não tem limites. Assim, acho extremamente interessante explorar esse tipo de música com conceitos por trás, opniões e tudo mais. Sempre tem coisas incrivelmente legais a se conhecer se você perder o preconceito no que vai além da música.

E bem, desnecessário dizer, mas: Não, ninguém do blog acha bonito neonazismo, assim como ninguém acha belo o estado de Israel ou estamos fazendo uma propaganda pró-sionismo (sobre homossexualismo, acho que não é questão de gostar/incentivar ou não, isso é uma realidade e não uma questão de opnião, por isso ela deve ser respeitada e não debatida). Tentei durante toda a resenha não expressar minha opnião sobre os conceitos abordados pelas bandas (exceto na parte de sacanear aquela música do Aryan Terrorism, mas leve em consideração que a música em si é uma sátira). Tenho minhas opniões sim, mas isso não quer dizer que eu deixe de ter curiosidade sobre música que explore opniões contrárias as minhas. Assim é o que acho que vocês deveriam fazer com as músicas e artistas que figurarem nesta seção agora e futuramente.

Então, sem mais o que dizer, obrigado por ter lido até aqui e espero que curtam igualmente os dois artistas. Até a próxima o/

Garbage - Not Your Kind Of People

Gênero: Alternative Rock, Electro Rock, Indie Pop
País: Estados Unidos
Ano: 2012

Comentário: O Garbage é um daqueles nomes que logo vem a cabeça quando se fala de anos 90, donos de Hits como "Only Happy When It Rains", "Stupid Girl", "Bleed Like Me" , entre outros. A banda conta com o lendário produtor Butch Vig (responsável pelos clássicos Nevermind do Nirvana, Gish do Smashing Pumpkins e Wasting Light do Foo Fighters) na bateria e os vocais da bela Shirley Manson e não lançava nenhum material inédito desde Bleed Like Me, em 2005.

Not Your Kind Of People vem com uma volta do Garbage, e não decepciona em momento algum, abusando do eletrônico, o disco é exatamente aquilo que os fãs de Garbage queriam ouvir e um pouco mais. Abrindo com a estonteante "Automatic Systematic Habit", música que tem cara de clássico do Garbage, logo dá pra perceber o ótimo uso do eletrônico. "Blood For Poopies", primeiro single do novo álbum, é em minha opinião a mais fraca do disco, e de forma alguma representa este novo trabalho, ao contrário da subsequente "Control", um dos grandes destaques do disco. Vale ainda destacar as ótimas "Felt", "Battle In Me" e "Man On Fire".

Tracklist:
1. Automatic Systematic Habit
2. Big Bright World
3. Blood For Poppies
4. Control
5. Not Your Kind Of People
6. Felt
7. I Hate Love
8. Sugar
9. Battle In Me
10. Man On A Wire
11. Beloved Freak

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Among Savages - The Wanderings Of An Illustrative Mind

Gênero: Alternative/Indie Pop
País: EUA
Ano: 2012

Comentário: Além do intrigante título, essa continuação do EP Start At The Beginning, de 2011, nos traz também uma sonoridade um tanto quanto singular, principalmente quando se trata de um cantor de 24 anos.
The Wanderings Of An Illustrative Mind tem como enredo as tentativas e os trunfos de Peter Barbee ao longo de sua juventude. Tem também uma chill vibe contagiante que resulta da mesclagem do vocal indie com os elementos do new wave.
 Start At The Beginning da ao álbum um começo lento e com uma pitada de progressive, porém com o avançar das faixas, esse release nos revela que não é algo levado ao fogo brando. Entretanto, tenho que destacar: a citação religiosa não diminui.
The Great Adventure I, conta um pouco da jornada do autor até "aqui". Já The Great Adventure II e Terrified são canções mais melancólicas. A propósito, são poucas as faixas não-depressivas, como New York City (que inclusive participou da trilha sonora da série Gossip Girls [não que isso seja relevante]). Irônico pra um álbum chill vibe, não?

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Tracklist:
1. "Start At The Beginning" - 4:41
2. "Forgive Me Lord" - 3:46
3. "Only You" - 3:56
4. "Sun Greets The Sky" - 2:03
5. "Great Adventure I" - 3:39
6. "Great Adventure II" - 2:03
7. "Terrified" - 3:28
8. "Raging Sun" - 4:14
9. "Sucked The Life" - 3:42
10. "Faith In You" - 3:47
11. "New York City" - 3:27
12. "A Dark Design" - 3:40

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Florence + The Machine - MTV Unplugged

Gênero: Indie Pop, Art Rock
País: Inglaterra
Ano: 2012

Comentário: A série MTV Unplugged surgiu em 1989 na MTV americana,e de lá pra cá vários artistas de vários estilos diferentes fizeram parte dessa série, o formato foi adotado pelas MTV's de outros países (da versão Tupiniquim recomendo o Acústico MTV Bandas Gaúchas), e teve seu auge nos anos 90 com performances memoráveis como a do Nirvana em 1993 e do Alice In Chains em 1996.

Esse ano foi a vez de Florence Welsh, acompanhada por sua banda de apoio e um coral a voz de Florence soa lindo como nunca. Algumas músicas ficaram bem descaracterizadas, chegando a causar certo desconforto, como a versão de "Dog Days Are Over", sem toda aquela euforia dançante da versão original soa meio estranha, mas nada que tire a grandeza do disco e a beleza das versões de "Only If For A Night" que abre o disco, "Drumming Song", que mesmo sem a bateria soa incrível, "Never Let Me Go", e o cover de "Jackson", música que fez sucesso na voz de Johnny Cash e June Carter, onde Florence canta acompanhada por Josh Homme, líder do Queens Of The Stone Age. O MTV Unplugged Florence + The Machine é certamente um ótimo disco, mas, para aqueles que não conhecem o trabalho da banda, talvez seja melhor começar por seus discos Lungs e Ceremonials.

Ps: O único vídeo que achei dessa apresentação traz "apenas" o show completo. Aproveitem enquanto ele ainda está no youtube, não acho que vá durar muito.

Tracklist:
1. Only If For A Night
2. Drumming Song
3. Cosmic Love
4. Breaking Down
5. Never Le Me Go
6. Try A Little Tenderness
7. No Light, No Light
8. Jackson
9. What The Water Gave Me
10. Dog Days Are Over
11. Shake It Out
Bonus:
12. Landscape
13. Heartlines
14. Shake It Out

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The Knife - Discografia

Gênero: Electropop, Synthpop, Experimental, Dark Ambient, Trip Hop, Indie Pop, Drone, Ópera (no disco Tomorrow, In a Year)
País: Suécia

Comentário:  The Knife é uma banda formada em 1999 na Suécia por Karin Dreijer Andersson e Olof Dreijer, dois irmãos geniais e muito reclusos, raramente são vistos em público ou dão entrevistas e até o lançamento do aclamado "Silent Shout" em 2006 a banda nem mesmo fazia shows. A banda ficou conhecida mundialmente após um cover de uma de suas músicas, "Heartbeats" do disco Deep Cuts, aparecer em um comercial da Sony. Após esse episódio várias outras músicas foram usadas em comerciais e levando os, assim, ao reconhecimento a nível mundial.

O primeiro show aconteceu em 2006, 7 anos depois da formação. Após a confirmação de vários shows ao redor do mundo foi anunciado o lançamento de um DVD, Silent Shout: An Audio Visual Experince.

Antes do The Knife, Karin era a vocalista de uma banda Indie Pop chamada Honey Is Cool, e em 2009 lançou seu primeiro disco solo sob o nome Fever Ray, o disco foi considerado um dos melhores daquele ano e é um dos meus preferidos de todos os tempos.

O primeiro disco, auto-intitulado, foi lançado em fevereiro de 2001, e trazia o single "N.Y. Hotel". O segundo disco, Deep Cuts, de 2003, trazia um som muito diferente de seu antecessor. Com músicas muito mais bem produzidas o disco teve maior repercussão, o The Knife até ganhou um Grammis (é assim que o Grammy é chamado na Suécia) de melhor grupo pop, porém, eles boicotaram a cerimônia, mandando em seu lugar duas mulheres vestidas de gorila em protesto ao domínio masculino no meio musical. O disco também foi indicado a disco do ano, mas eles perderam para o Cardigans. Deep Cuts traz algumas das melhores músicas da carreira da banda, como "Heartbeats", "Pass This On", "Listen Now", "You Take My Breath Away" e "Is It Medicine".

No mesmo ano a banda foi chamada para fazer a trilha sonora do filme que eu já desisti de procurar Hannah Med H. A maior parte do disco é composto por músicas instrumentais, algumas dessas músicas apareceram também em versões especiais dos discos The Knife e Deep Cuts.

Em 2006 foi lançado aquele que é considerado por muitos o melhor álbum do The Knife, Silent Shout. O disco é bem mais sombrio e menos pop do que Deep Cuts. Silent Shout teve uma recepção super favorável por parte da mídia e dos fãs, sendo nomeado pelo Pitchfork como melhor disco do ano, e traz um dos maiores hits da banda "Marble House."

No ano de 2010 foi lançada aquela que é, para mim, a obra prima do The Knife, a ópera inspirada na Origem Das Espécies de Charles Darwin. Sinceramente, não dá pra ser melhor do que isso. O disco é uma parceria entre The Knife, Mt. Sims e Planningtorock e foi composto para a ópera "Tomorrow, In A Year" produzida pelo grupo performático dinamarquês Hotel Pro Forma. O disco conta com participações da mezzo-soprana Kristina Wahlin, a atriz dinamarquesa Lærke Winther e o cantor pop sueco Jonathan Johansson.

Em 2013 o The Knife lança seu quarto disco do estúdio. "Shaking The Habitual" é um disco extenso, de densidade ímpar, que vai na contramão de sucessos radiofônicos como aqueles encontrados no "Deep Cuts" ou no "Silent Shout" e mergulha em uma atmosfera intensa, sombria e experimental. Talvez fruto das experiências recentes da banda, com o "Tomorrow, In A Year" e o projeto solo de Karin, o Fever Ray. A temática do disco remete ao fim da riqueza extrema, como revelado pelo duo. Batidas eletrônicas densas embaladas por letras de cunho político transformam esse disco em algo intrigante e completamente diferente da proposta anterior do grupo. Em músicas que variam de 55 segundos a quase 20 minutos o The Knife consegue com este registro ir além dos limites da própria criatividade e faz deste disco um dos melhores do ano.

Discos:

The Knife (2001)

Tracklist:
1. Neon
2. Lasagna
3. Kino
4. I Just Had To Die
5. I Take Time
6. Parade
7. Zapata
8. Bird
9. N.Y. Hotel
10. A Lung
11. Reinder

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Deep Cuts (2003)

Tracklist:
1. Heartbeats
2. Girls Night Out
3. Pass This On
4. One For You
5. The Cop
6. Listen Now
7. She's Having a Baby
8. You Take My Breath Away
9. Rock Classics
10. Is It Medicine
11. You Make Me Like Charity
12. Got 2 Let U
13. Behind The Bushes
14. Hangin Out
15. This Is Now
16. Handy-Man
17. The Bridge

MEGA // Novafile



Hannah med H Soundtrack (2003)

Tracklist:
1. Real Life Television
2. Hannah's Conscious
3. Handy Man
4. High School Poem
5. New Year's Eve
6. Three Boys
7. This Is Now
8. The Bridge
9. Copenhagen
10. Wanting To Kill
11. Jane's Sneaking
12. Vegetarian Restaurant
13. At The Café
14. A Different Way
15. Poetry By Night
16. Listen Now

MEGA // Novafile



Silent Shout (2006)

Tracklist:
1. Silent Shout
2. Neverland
3. The Captain
4. We Share Our Mother's Health
5. Na Na Na
6. Marble House
7. Like a Pen
8. From Off To On
9. Forest Families
10. One Hit
11. Still Light

MEGA // Novafile



Tomorrow, In a Year (2010)

Tracklist:

DISCO 1
1. Intro
2. Epochs
3. Geology
4. Upheaved
5. Minerals
6. Ebb Tide Explorer
7. Variation Of Birds
8. Letter to Henslow
9. Schoal Warm Orchestra

DISCO 2
1. Annie's Box
2. Tumult
3. Colouring Of Pigeons
4. Seeds
5. Tomorrow In A Year
6. The Height Of Summer
7. Annie's Box (Alt. Vocal)

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Shaking The Habitual (2013) 

Tracklist: 

1. A Tooth For An Eye

2. Full Of Fire
3. A Cherry On The Top
4. Without You My Life Would Be Boring
5. Wrap Your Arms Around Me
6. Crake
7. Old Dream Waiting To Be Realized
8. Raging Lung
9. Networking
10. Oryx
11. Stay Out Here
12. Fracking Fluid Injection
13. Ready To Lose

MEGA //  Novafile

The Ting Tings - Sounds From Nowheresville

Gênero: Indie Pop, Indie Rock, Dance Punk
País: Inglaterra
Ano: 2012

Comentário: Depois de uma longa espera o duo britânico The Ting Tings lança Sounds From Nowhersville, sucessor do ótimo We Started Nothing, de 2008. O esperado segundo disco foi adiado por várias vezes, até seu lançamento enfim em 2012, o que aparentemente despertou certa antipatia por parte dos fãs. O disco recebeu críticas pesadas e eu sinceramente não entendo o porquê, o disco realmente não é tão bom quanto We Started Nothing, mas de forma alguma é um disco ruim, é um ótimo disco pop, as pessoas parecem que esqueceram o tipo de música pop que é feita hoje em dia, perto dos hits radiofônicos atuais Sounds From Nowheresville é uma obra prima.

O disco, que originalmente se chamaria Kunst, teve seu lançamento cancelado em 2010, segundo a banda por que soava muito igual a tudo que tocava na época. Sounds From Nowheresville traz ótimas músicas pop, como pode ser visto na sequencia inicial com "Silence", "Hit Me Down Sonny" e "Hang It Up", o disco traz também uma nova face da banda, com músicas mais sérias como "Guggenheim" e "Day To Day" e a quase tropical "Soul Killing", que me lembrou bastante o Copacabana Club, o disco encerra com a melancólica "In Your Life", que é o tipo de música que eu jamais esperava do The Ting Tings.

MySpace

Tracklist:
1. Silence
2. Hit Me Down Sonny
3. Hang It Up
4. Give It Back
5. Guggenheim
6. Soul Killing
7. One By One
8. Day To Day
9. Help
10. In Your Life

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Santigold - Santogold

Gênero: Electronic/ Dub/ New Wave/ Indie pop/ Reggae fusion
País: EUA
Ano: 2008

Comentário: Santi White, que resolveu iniciar sua carreira artística sob o pseudônimo de Santogold, chegando a lançar seu debut de 2008 com ele, viu-se obrigada a alterá-lo para Santigold, provavelmente pela já existência do nome e de um processo contra ela que já estava a rolar. É atualmente uma das grandes entusiastas dessa ~nova~ nipe de músicos à misturar batidas eletrônicas, new wave, música afro-americana (e em alguns casos até a afro-brasileira) e que possuem uma considerável ligação com a música jamaicana, o que envolve desde o universal reggae até o dub e as loucas batidas (e 'performances') do dancehall. É quase sempre associada a artistas e produtores como o casal M.I.A.e Diplo, mas também cabe a citação de outros como (seja por influenciarem, abusarem dos mesmos elementos ou simplesmente contituirem sua lista pessoal de ídolos) Lykke Li, Devo, Benga, Amanda Blank, Aretha Franklin, James Brown, Goldfrapp, entre outros.

Só que teríamos de abrir uma observação. Santigold mesmo fazendo o uso de vários desses elementos e de ser convidada em parcerias que vão desde os projetos de Diplo até a lendária Beastie Boys, conduziu seu debut, SANTOGOLD, de uma forma menos 'maluca', digamos assim. Mesmo apresentando uma variedade avultada de influências, batidas e performances este disco corre por uma linha electro pop/electro rock bem guiada, dando às faixas a condição favorável para se transformarem em um coletivo mais coeso. É de verdade um disco para se ouvir do começo ao fim sentado à frente de um computador, mas também potencialmente construído para ser dançado ou tocado num carro bem equipado em som.

Além da própria cantora marcar presença na produção, algumas faixas contaram com a produção de nomes visados como Diplo, Switch, John Hill, e Disco D, produtores e Djs reconhecidos tanto por trabalharem com artistas mais famosos como por terem experiência com a diversidade do house e dubstep ao hip-hop e baile funk.

Bom, estou ansioso pelo próximo disco, Master of My Make-Believe, que já teve prévia rolando por aqui. Pela música e clipe dá-se a impressão de que a moça está andando muito com o casal Diplo e M.I.A. e se misturado ao cast do Guns Don't Kill People... Lazers Do. Esperamos que a Santi vomite ainda mais confetes que em Santogold, quem sabe embalada por um clima mais malicioso por conta dos possíveis ritmos calientes apresentados.

Site//LastFM

Tracklist:
1    L.E.S. Artistes         3:24
2    You'll Find a Way         3:00
3    Shove It (feat. Spank Rock)         3:46
4    Say Aha         3:35
5    Creator         3:33
6    My Superman         3:00
7    Lights Out         3:12
8    Starstruck         3:54
9    Unstoppable         3:32
10    I'm a Lady         3:43
11    Anne         3:28
12    You'll Find a Way (Remix)         3:12

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Sleigh Bells - Reign Of Terror

Gênero: Noise Pop, Indie Pop, Dance Punk
País: Estados Unidos
Ano: 2012

Comentário: Sleigh Bells é um duo norte americano de noise pop composto pelo guitarrista/produtor Derek Miller e pela bela vocalista Alexis Krauss, formado no Brooklyn, em Nova York no ano de 2008. Em 2010 a banda lançou o seu disco de estréia Treats, um ótimo disco que trouxe fama a banda, que se apresentou no Coachella e no Pitchfork Music Festival daquele ano. Treats trazia músicas que misturavam um som pop radiofônico com uma barulheira eletrônica e guitarras distorcidas, formula que deu extremamente certo e pode ser vista em músicas como “Infinite Guitars” que fez parte de um comercial do Windows Phone.

Em seu segundo disco o Sleigh Bells afasta a tal “maldição do segundo disco”, Reign Of Terror é um disco ótimo, que deve ser ouvido no último volume, como já mostrava o Video Promocional liberado pela banda no final do ano passado. Reign Of Terror é mais pesado que seu antecessor e a combinação de melodias pop e guitarras distorcidas soa absurdamente bem. O disco abre com explosiva faixa ao vivo “True Shred Guitar”, que junto com “Born To Lose” e “Crush” fazem uma ótima abertura para o disco, a parte mais pop do disco fica por conta da seqüência “End Of The Line”, “Leader Of The Pack” e “Comeback Kid”, o peso da guitarra de Derek volta em “Demons”, o disco fecha com a excelente “D.O.A.”.

MySpace

Tracklist:
1. True Shred Guitar
2. Born To Lose
3. Crush
4. End Of The Line
5. Leader Of The Pack
6. Comeback Kid
7. Demons
8. Road To Hell
9. You Lost Me
10. Never Say Die
11. D.O.A.


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The Joy Formidable - The Big Roar

Gênero: Indie Rock, Alternative Rock, Dream Pop, Shoegaze
País: Inglaterra
Ano: 2011

Comentário: The Big Roar é o primeiro disco do trio inglês The Joy Formidable. Formada em 2007, a banda de amigos de infância,  que mistura Indie Rock, Dream Pop entre outros, lançou em 2009 um EP denominado A Balloon Called Moaning, que trazia as faixas “Austere”, “Cradle”, “Whirring” e “The Greatest Light is The Greatest Shade”, que posteriormente sairiam também no disco The Big Roar.

Em 2009 a banda tocou em uma turnê europeia com bandas como Editors e Passion Pit, e se apresentou nos Estados Unidos pela primeira vez logo depois dessa turnê, abrindo para o Passion Pit. O EP A Ballon Called Moaning recebeu críticas positivas de grandes publicações como o New York Times, NME, Pitchfork, entre outros, e também foi muito elogiado por nomes como Shirley Manson (Garbage) e Dave Grohl. Em 2010 a banda assinou com uma gravadora para o lançamento de The Big Roar, disco produzido por eles mesmos. Após o lançamento do disco a banda tocou em grandes festivais como Reading and Leeds, Lollapalooza e abriu um show secreto do Foo Fighters.

The Big Roar é um disco recheado de músicas simples, porém bem feitas, combinando o peso das guitarras e os vocais doces de Ritzy Bryan de forma brilhante, como pode ser visto em musicas como “A Heavy Abacus”, “The Everchanging Spectrum of a Lie” e “The Magnifying Glass”.


MySpace

Tracklist:
1. The Everchanging Spectrum Of A Lie
2. the Magnifying Glass
3. I Don't Want To See You Like This
4. Austere
5. A Heavy Abacus
6. Whirring
7. Buoy
8. Maruyama
9. Cradle
10. Llaw = Wall
11. Chapter 2
12. The Greatest Light Is The Greatest Shade

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