Drops de bacon #14 - 3 discos nacionais lançados em 2015

“10”, Valsa Binária (Independente)

Formado pelo quarteto Danilo Derick (guitarra, teclados e variados), Leo Moraes (guitarra e voz), Rodrigo Valente (bateria) e Salomão Terra (baixo), em “10” os mineiros da Valsa Binária apostam numa continuidade natural do primeiro disco lançado em 2011 (disponível também para download gratuito no Bandcamp da banda). Autoproduzido, “10” é composto por 10 faixas que promovem a junção, em plena harmonia, de canções alegres e bem humoradas com melodias introspectivas. Já na abertura o ouvinte é convidado à dança na ótima “Receita”, canção que ironiza as necessidades femininas modernas. O clima jovial é mantido na jovem guardista “Vou Correndo” e na esteticamente folk “A esquina” (única faixa cantada por Danilo). Em contraponto, faixas como “Céu de Abril” e “Dona de si” (conduzida por belo arranjo ao piano) respondem pela porção delicada do álbum. Já em “Melhor Que Sou” e “Quis”, o encontro promovido é entre a dramaticidade com a urgência, conduzida por arranjos atmosféricos e soturnos. A valsa circense “O Palhaço” encerra de modo agridoce o disco que é altamente indicado para os que gostam da sonoridade pop com ares descompromissados.

Nota: 8
Ouça e faça download gratuito em: http://www.valsabinaria.com.br/
Preço: a banda optou pelo formato pague o quanto quiser + frete. O pedido do CD pode ser feito diretamente com o grupo através do e-mail producao@valsabinaria.com.br.

“Piacó”, Iconili (Indepedente)

Formado em 2006, o combo instrumental mineiro Iconili atinge o ápice de sua criatividade em “Piacó”, seu segundo disco, lançado em março de 2015. Sem impor limites a sua já peculiar sonoridade, o álbum (composto por 11 faixas) segue a fórmula afrobeat testada no debute, “Tupi Novo Mundo”, de 2013, mas com abertura para novas sonoridades. Essa proposta já é percebida em “Jorge Botafogo”, faixa de abertura do novo trabalho, onde o clima jazzístico dá o tom. O experimentalismo e a fusão com o carimbó conduzem a faixa título como também a pulsante “Gentil”. Sem deixar a energia cair, a atmosfera dançante é quase interrupta no disco. Afinal é basicamente impossível ficar impassível a faixas como “Nêgo Preto” (conduzida por guitarras em ode a disco music), “Preta de Tataqui” e “Mr. Ok”, canção que promove o encontro de ritmos brasileiros e africanos. Em tempos de alta cozinha, como autênticos chefes culinários, os mineiros do Iconili criaram em “Piacó” um prato bem elaborado, composto por ingredientes diversos que soam saborosos a cada audição. Um dos discos essenciais do ano até agora.

Nota: 10
Ouça e faça download gratuito em: http://www.iconili.com.br/
Preço do CD: R$ 21,00 (compre na loja virtual do grupo em http://loja.iconili.com.br/)

“Garnizé”, Dibigobe (Independente)

Em seu segundo álbum, a turma mineira da Dibigobe trafega pelo caminho da ousadia. Tendo como mote central uma homenagem semi-instrumental ao sambista Ataulfo Alves, o grupo não se rende as armadilhas da mera reprodução dos arranjos originais, pois aposta alto na pessoalidade e a na criatividade ao longo de oito faixas de “Garnizé”. Gravado em Mineapollis (EUA) com produção de Zachary Hollander (que já trabalhou com Explosions in the sky e The Polyphonic Spree), “Garnizé” recria de maneira desconcertante clássicos do compositor de Miraí, MG. Faixas como “Tempos de Criança” (que ganha ares de post-rock carregado de batidas eletrônicas), “Laranja Madura” (relida com elementos do rock e jazz), a desacelerada e bela “Mulata Assanhada”, os ares carnavalescos de “Você Passa, Eu Acho Graça” e a releitura gipsy (ritmo popular nos EUA nos anos 20) para “Aí Que Saudades da Amélia”, que conta com a participação do clarinetista Pat O’Keffe, destacam-se. Mas o climax concentra-se em “Na Cadência do Samba”, única faixa com vocais, onde a presença da icônica cantora mineira Dona Jandira abrilhanta a canção. O resultado final é tão acima da média que deixaria o finado ícone da música popular brasileira orgulhoso.

Nota: 10

Ouça em: https://soundcloud.com/dibigode/sets/garnize
Preço: R$ 50 (vinil). Pode ser adquirido no site www.amusicaquevemdeminas.com.br

Publicado originalmente em Scream & Yell.

Esteban - Saca La Muerte de Tu Vida

Gênero: Pop Rock / Rock Platino
País: Brasil
Ano: 2015

Comentário:O Tavares sempre afirmou que o que fazia em seu novo projeto era um “rock platino”, algo com muito violão, acordeom, piano e aquela melancolia tanto vocal como nos temas das canções. Em Saca La Muerte de Tu Vida, temos essa combinação magistralmente bem apresentada desde a concepção do álbum até a apresentação do mesmo.

Saca La Muerte de Tu Vida parece captar muito bem a essência gaúcha nostálgica/melancólica do Tavares. Já em “Janeiro”, música que inicia em um ótimo duo de piano e voz, podemos ver todo o resumo do gênero que ele se dispôs a fazer com o Esteban impregnado na letra e melodia. Aliás, é uma das mais belas poesias do álbum: “Teria paz se não tivesse sangue / Se o coração não conseguisse trabalhar / Esqueceria tudo do começo / E viveria toda a vida sem pensar / Não tomaria tantos comprimidos / Apagaria o que me dessem pra fumar”, só esse trecho já evidencia um narrador modelo por detrás da persona do cantor – a música tem o tom de intimidade que o álbum procura, além de ter forte presença de elementos do platino, um acordeom em uma brincadeira de evidenciar/esconder por detrás da bateria e do piano – é realmente a melhor faixa para apresentar o projeto a desconhecidos e já causa arrebatamento os que acompanham o trabalho do cara.

“Pra Ser” coloca o álbum um pouco mais pra cima, embora as letras introspectivas e de arrependimento continuem bem presentes na faixa. Aqui o som do acordeom é um espetáculo a parte, está muito bem inserido por detrás da polifonia sonora dos elementos platinos que o Tavares faz questão de mesclar muito bem, obrigado. E no finzinho a bateria é realmente um fator importante na sonoridade.

“Cigarros e Capitais” tem uma musicalidade muito peculiar dentro da estética sonora do álbum. Uma bateria mais ritmada, lembrando muito “Pianinho”, de seu álbum anterior, embora aqui a condução seja do acordeom e bateria. Na quinta faixa, “Tango”, temos uma das melhores surpresas do álbum. Eu particularmente gosto muito da latinidade que escorre nas criações do Tavares, até mesmo na promoção do Saca La Muerte  em seu instagram havia um quê de mistério latino por detrás das imagens que ele postava – fora uma divulgação bacana, com uma estética forte, tanto quanto o álbum. E o coral de “Tango” é uma das coisas mais belas feitas por ele, um primor.

“Martes” é outra das músicas marcantes do álbum – um vocal em espanhol, a sonoridade platina fazendo-se presente desde o primeiro segundo. De longe é uma das minhas favoritas do álbum, funciona muito bem se ouvida logo depois de “Janeiro”, formam um duo excelente, coeso, inserido dentro da estética que o Tavares busca. Embora possamos aqui tecer críticas às repetições que metade do álbum apresenta ele é coerente por se manter em seu estilo, e bem, temos sim variações. Temos um pouco do tango infiltrado nas canções, do pop rock de fácil aceitação – embora em menor quantidade nesse aqui se compararmos com o “Adios Esteban!” -  flutuando por entre as faixas, uma ótima música instrumental funcionando como uma linda pausa do vocal do Tavares retomado logo em seguida em mais uma das faixas bem pessoais, a temática latina principalmente Uruguaia e Argentina entre as criações, um pouco de experimentalismos com algumas distorções e batidas eletrônicas em “O Que Não Vem”, etc.

“Me Sinto Humano” tem um pouco do rockabilly  na essência de sua introdução e batida, embora possa ser só reminiscência da minha cabeça que associa o Tavares a um ícone tatuado latino americano de cigarro pendente, topete e jaqueta de couro, logo, um rockabilly com tango e acordeom – o que nem é tão improvável assim.

Considero o Tavares um dos compositores e intérpretes mais dignos de uns tempos para cá, lógico que todo o estigma criado em torno da Fresno, banda que o lançara a nível nacional, faz com que se criem indevidos muros de preconceitos com a música que o cara cria. Não considero a Fresno nem a pior ou a melhor banda do mundo, mas respeito à história da banda e o que eles foram capazes de criar – e é só repararmos o repertório, sonoridade e conceito criado por Tavares em seus álbuns que vemos que existem muitas coisas infundadas nessa chateação de ter de odiar tudo de cara. Saca La Muerte de Tu Vida se apresenta, para mim, como um dos mais coerentes registros nacionais desse ano: um punhado de morte em sua melhor concepção dentro de vidas (e álbuns) um tanto vazios.

[Facebook]

Tracklist:
01. Janeiro
02. Pra ser
03. Chacarera da Saudade
04. Cigarros e Capitais
05. Tango Novo (Nada Impede a Onda de Passar)
06. As Terças Podem Se Inverter
07. Martes
08. O Que Não Vem
09. Me sinto humano
10. Se
11. Carta aos desinteressados
12. Maria
13. Chacarera 2 (Feat. Pirisca Grecco)


Ouça: Spotify

Milla (Jovovich) - The Divine Comedy

Gênero: Folk rock/ Folk pop/ Art pop/ Alternative
País: Ucrânia/EUA
Ano: 1994

Comentário: Não sou nenhum fã, embora não negue que a beleza de Milla Jovovich e sua posição no cinema e no mundo da moda — que eu não entendo bulhufas — mereçam certo reconhecimento. Tanto é que sua música é que me chamou mais atenção, pois concentra certa originalidade e um tipo de “sutil ousadia”. Não é música insossa feita por alguém que poderia pagar para ser ouvida (e ela pode pagar), mas é um folk rock bem gostoso, mas também pop, mas também vai um pouco mais além disso. Por isso está indiscutivelmente mais para “Return to the Blue Lagoon” do que para “Resident Evil” (a não ser que você ouça sua participação em “REV 22:20”, ou "The Mission", ambas do Puscifer), mas possui suas peculiaridades, não sendo aquela eterna espera por socorro de Sessão da Tarde. Abaixando os níveis de testosterona, posso dizer que tem doçura, leveza, faixas dançantes e outras vezes reflexivas, mas não beirando o piegas e o tédio, contudo, não se engane quando falo em “peculiaridades”, pois de forma alguma existe uma super referência a Leeloo de “The Fifth Element”... ou pouco, talvez, nos pequenos e sutis detalhes... mas se busca algo a mais, quem sabe com “PlasticHas Memory”, único disco da banda de mesmo nome que Milla formou em 1999 e que segue uma linha mais tortuosa como a feita por bandas como Portishead, por exemplo, você possa se satisfazer melhor (ouça "On The Hill" e também "Left & Right (Live)").

Somado a letras sinceras escritas quando tinha apenas 15 anos — com exceção de “In a Glabe”, uma música folclórica ucraniana que ela regravou —, uma belíssima arte como encarte e a óbvia referência ao poema de Dante Alighieri, o instrumental é apenas mais um dos pontos que abrilhantam o disco: As performances vocais apresentadas em The Divine Comedy reforçam e eliminam o preconceito de que Jovovich seria “carregada” por uma boa banda, por uma boa produção impecável. Ela manda muito bem, o que às vezes me remete a comparações com Alanis Morissette em certos trechos, enquanto que a melodia e toda instrumentação mantém as músicas num clima a la Tori Amos. E pode ser que tenha exagerado na Alanis, mas existe uma grande simpatia com uma aparente influência entre um misto de Tori Amos, Kate Rush (mas tirem “Wuthering Heights” da cabeça) e até Cocteau Twins, que seria o diferencial do disco.

Vai muito além de um disquinho pop feito por uma atriz famosa e naturalizada americana, que inclusive não deixa esse lado "pop-americano" oculto, pois é o lado ucraniano, unido à influências britânicas que o envolve todo o álbum.

E se existe interesse, Jovovich tem ainda composições e participações em trilhas de alguns filmes, como por exemplo com “Rocket Collecting“, composta ao lado de Danny Lohner (ex- Nine Inch Nails e A Perfect Circle — ambas também presentes na trilha sonora) para o filme “Underworld” de 2003.

Official site//IMDb//RYM//Last.fm

Tracklist:

1. The Alien Song — 4:45
2. Gentleman Who Fell — 4:39
3. It’s Your Life — 3:45
4. Reaching From Nowhere — 4:10
5. Charlie — 4:10
6. Ruby Lane — 4:36
7. Bang Your Head — 3:23
8. Clock — 4:15
9. Don’t Fade Away — 5:43
10. You Did It All Before — 3:58
11. In a Glade — 2:27

Download: Mega.co

Elvis Costello - My Aim Is True

Gênero: Pop rock, pop punk.
País: Estados Unidos
Ano: 1976

Comentário: Esse é daqueles discos em que cada música parece clássica. Não necessariamente clássico no sentido “obra de arte eterna em sua grandeza” mas naquela constante impressão de já ter escutado cada uma delas antes. Elas me fazem relembrar coisas que eu muito provavelmente nem sequer vivi.

O primeiro disco de Costello é ótimo. Aquele garotinho mirrado se tornou um dos maiores compositores de música pop, em minha opinião, lá no nível de caras como Paul McCartney e Chico Buarque. Esses caras conseguem fazer de tudo; daquelas músicas mais bobinhas e felizes até aquelas baladas melancólicas e tristes, dão um jeito de fazer ambas e tudo entre de uma maneira acessível e não por isso medíocre.

Mas por mais completo que sejam, todos tem algo em que se especializam: Macca fez algumas das músicas mais tristes que já ouvi, Chico algumas das mais assombrosas. Costello, pra mim, é a epítome do coração partido.

Sem dúvidas, o magrelo britânico faz algumas músicas interessantes sobre sua geração. Só que é só prestar atenção no disco pra perceber que ele provavelmente o Angry Video Game Nerd original, só que sem vídeo games. Na própria aparência, Elvis tenta somar o que é um visual nerd, ligeiramente pop new wave, com uma estranha aparência “punk”. Boto “punk” assim porque, sejamos sinceros, ele não é ortodoxamente punk. É no máximo, modernoso.

Além disso, ele sempre soa tão suave, tão calmo, tão conformado como todos nós nerds por música. Fomos provavelmente perdedores – sem americanismos – no ensino médio. Costumamos por culpa nas nossas “limitações”; sejam elas grandes ou pequenas. Tentamos sempre ser compreensivos com os outros, entender que talvez a culpa seja nossa, não das pessoas que nos antagonizam.

Mas ele somente soa suave. Na verdade, ele não é mais o coração mole que nós esperamos que ele fosse. Ele diz o que nós sempre quisemos dizer. Ele era aquele nerd que já não aguentava mais ser hostilizado. Ele não quer mais tentar entender os outros. Alison é uma música que, com toda certeza, podia ser vista em algum roteiro do Woody Allen.

Além disso tudo, esse “nerd-class hero” é um músico bem apto, além de contar com uma boa banda de apoio. As melodias de pop-rock caem bem com a temática ligeiramente colegial e tudo acaba soando bem orgânico. Se torna diferente do resto do pop na medida em que não soa pré-fabricado, é o testamento musical de um homem que cansou de ser rejeitado.

As guitarras, o destaque na minha humilde opinião, são rápidas, nervosas mas ainda assim são bem melódicas e pegajosas, unindo uma simplicidade punk com a produção pop. Além disso, a bateria é outro dos destaques, não só do disco mas em boa parte dos grandes discos de Costello. Ela é consciente, mutável e sempre se adapta perfeitamente aos diversos momentos e melodias do álbum; soa pesada quando tem de soar e faz um leve acompanhamento nos tempos certos.

Serei honesto, o disco também tem sua boa dose de baladas e músicas semi-reggae que eram sensação naquela época. Pros padrões do gênero, são todas bem executadas. O que não tira o brilho da genialidade de outras músicas mais puxadas pra essa coisa que acabava de nascer, o pop punk. Elvis sempre foi um artista versátil, e o seu primeiro disco já demonstra essa faceta.

Recomendo o disco para todos nós. Eu sei que muitos preferem ver Elvis Costello como mais um daqueles caras frouxos da música pop, que não tem nada a acrescentar. Mas, sinceramente, acho que é uma experiência necessária para entender uma interseção honesta entre punk e pop, muito mais profunda do que o pop punk de hoje. É um pedaço de história que pede pra ser contado.

(Endereço oficial)

Tracklist:
1. Welcome to working week
2. Miracle Man
3. No Dancing
4. Blame it on Cain
5. Alison
6. Sneaky feelings
7. (The Angels wanna wear my) Red Shoes
8. Less Than Zero
9. Misery Dance
10. Pay it back
11. I'm not angry
12. Waiting for the end of the world

Download: MEGA Mirrorcreator

Esteban - ¡Adiós, Esteban!

Gênero: Rock Platino (?)
País: Brasil
Ano: 2012

Comentário: Esteban é o atual projeto solo do Tavares, ex-baixista da fresno. Quando saiu de baixo das asas de sua antiga banda e do Rick Bonadio conseguiu mais do que um corte de cabelo decente.

As músicas tem arranjos muito mais bem trabalhados, lançando mão dos diversos instrumentos que toca. As letras são muito mais inteligentes, apesar de o tema ser o mesmo melodrama romântico, desta vez, nem tão adolescente.

Em geral, é um trabalho muito agradável com um arzinho de Britpop, toquezinho de MPB e gigantesca influência do Engenheiros do Hawaii, o Humberto inclusive participa na minha canção favorita do disco, Sinto Muito Blues. Deixe os preconceitos de lado e baixe!

(Site oficial)

Tracklist:
01. Canal 12
02. Pianinho
03. Visita
04. Muda
05. Sophia
06. Muito Além do Sofá
07. Sua Canção
08. Segunda- feira
09. Sinto Muito Blues
10. (Eu Sei) Você Esqueceu
11. Tudo pra Você
12. ¡Adiós, Sophia!



Download: Link Oficial//DepositFiles//PutLocker//ZippyShare//Bayfiles//Turbobit